Diane Arbus

Diane Arbus

Diane Arbus Retratos de monstruos

Algunas citas, extraídas del libro "Sobre la fotografía", de Susan Sontag. Describen y analizan la obra de Diane Arbus.

"El aspecto mas asombroso de la obra de Diane Arbuses que parece haberse inscrito en una de las empresas más vigorosas de la fotografía artística -concentrarse en las víctimas de la fotorgrafía, en los infortunados- pero sin el propósito compasivo que presuntamente debería perseguir dicho proyecto. Su obra muestra gente patética, digna de lástima, y también repulsiva, pero no suscita ningún sentimiento compasivo. A causa de lo que podría describirse con más precisión como un punto de vista disociado, las fotografías han sido elogiadas por su franqueza y por determinada empatía no sentimental con los modelos. Se ha tratado como hazaña moral lo que en realidad es una agresión al público: que las fotografías no permiten al espectador mantener la distancia. De un modo más verosímil, las fotografías de Arbus -con su admiración de lo horroroso- evocan una ingenuidad esquiva y siniestra a la vez, pues ésta se basa en la distancia, el privilegio, la impresión de que la espectador se invita a ver lo otro. "

"Y siempre la vida cotidiana con si inagotable provisión de rarezas, si se tiene ojo para verlas. La cámara tiene el poder de sorprender a la gente presuntamente normal de modo que las hace parecer anormal. el fotógrafo selecciona la rareza, la persigue, la encuadra, la procesa, la titula. "Ves a alguien en la calle -escribió Arbus-, y lo que adviertes sobre todo es el defecto". "

"Tal vez la escena más espeluznante de la película Freaks ["La parada de los monstruos"] (1932) de Tod Browning es el banquete de bodas, cuando tarados, mujeres barbadas, siameses y torsos vivientes expresan bailando y cantando su aceptación de la maligna Cleopatra, de estatura normal, que acaba de casarse con el crédulo héroe enano. "¡Una de los nuestros! ¡Una de los nuestros! ¡Una de los nuestros!" salmodian mientras una copa pasa de boca en boca hasta que por último un enano exuberante se la presenta a la novia asqueada. Arbus tal vez tenía una visión simplista del encanto, la hipocresía y el malestar de fraternizar con monstruos. Tras la exultanción del descubrimiento, estaba la emoción de haberse ganado su confianza, de no tenerles miedo, de haber dominado la propia aversión. Fotografiar monstruos "me entusiasmaba muchísimo -explicó Arbus- Terminaba adorándolos"."

"Descubrir (mediante la fotografía) que la vida es "en verdad un melodrama", entender la cámara como arma de agresión, implica que habrá bajas. "Estoy segura de que hay límites -escribió Arbus- . Dios sabe que cuando las tropas empiezan a avanzar sobre ti te aproximas de veras a esa sensación de pánico en la que sin duda puedes morir". En retrospectiva, las palabras de Arbus refieren una especie de muerte en combate: tras haber transgredido determinados límites cayó en una emboscada psíquica, víctima de su propia franqueza y curiosidad."

Así, lo que en definitiva perturba más en las fotografías de Arbus no es en absoluto el tema sino la impresión acumulativa de la conciencia de la fotógrafa: la percepción de que lo presentado es precisamente una visión privada, algo voluntario. Arbus no era una poeta que ahonda en sus entrañas a fin de enunciar el dolor propio sino una fotógrafa que se aventura en el mundo para compilar imágenes dolorosas. Y tratándose de un dolor buscado antes que sentido, quizás no haya explicaciones tan obvias."

"La obra de Arbus es una buena muestra de una tendencia rectora de las bellas artes en los países capitalistas: la supresión, o al menos la reducción, de escrúpulos morales y sensorios. Buena parte del arte moderno está consgrado a disminuir la tolerancia de los terrible. Al acostumbrarnos a lo que anteriormente no soportábamos ver ni oír, porque era demasiado aterrador, doloroso o vergonzante, el arte cambia la moral, ese conjunto de hábitos psíquicos y sanciones públicas que traza una difusa frontera entre lo que es emocional y espontáneamente intolerable y lo que no lo es. La supresión gradual de escrúpulos de hecho nos aproxima a una verdad más bien formal: la arbitrariedad de los tabúes erigidos por el arte y la moral."

Las fotografías vuelven irrelevantes las reacciones compasivas. No se trata de perturbarnos, de capacitarnos para afrontar lo horrible con ecuanimidad. Pero esa mirada que no es (sobre todo) compasiva es una interpretación ética especial y moderna: no es insensible ni cínica sin duda, sino simplemente (o falsamente) ingenua."

"La cámara es una suerte de pasaporte que aniquila las fronteras y las inhibiciones sociales, y libera al fotógrafo de toda responsabilidad ante la gente retratada. Toda la cuestión al fotografiar personas es que no se interviene en su vida, sólo se está de visita. El fotógrafo es un superturista, una extensión del antropólogo que visita a los nativos y regresa con noticias sobre sus exóticos haceres y estrafalarios haberes."

Eraserhead

Eraserhead es un film de horror surrealista escrito y dirigido por David Lynch en 1977. Es su primer obra en el cine y se ha convertido en una película de culto. Lynch lamó a este film "dream of dark and troubling things", es decir, un "soñar cosas oscuras e inquietantes". Para David Lynch, ésta es su película mas espiritual.

Man Ray - Emak Bakia ( cinèpoème1926) part 1

Man Ray - Emak Bakia ( cinèpoème 1926) part 2

Ballet Mécanique

Título: Ballet mécanique
Director: Fernand Léger
Año: 1924
Duración: 10:24
Color: B/N
País: Francia

Ballet Mécanique fue un proyecto del compositor americano George Antheil y el pintor cubista Fernand Léger que por misteriosas razones no pudo proyectarse con su banda sonora original hasta 1990. Reconocida como una de las obras claves del cine de vanguardia, la película fue un homenaje que Léger quiso rendir al cineasta Charles Chaplin.

INFO: http://metraje-encontrado.blogspot.com

Dada

En el Frente de Artistas

Día tras día, se reunen en talleres en los que trabajan formándose en diferentes disciplinas artísticas que les permiten explorar sus capacidades expresivas y elaborar obras.

La Asamblea de Galel Maidana

"No me interesaba trabajar el binomio arte-locura como un cliché, sino abordar una manifestación donde el arte fuera un instrumento de resistencia, una ruptura en el sistema de comunicación, de las verdades impuestas por las instituciones"

Fundado en 1984 por el artista y psicólogo social Alberto Sava (quien se ve en el filme), el FAB propone al arte como motor de la transformación individual y social. En ese espacio, pacientes internados y externos, expresan su verdadera esencia a través del trabajo en distintos talleres artísticos, pensados también como una eventual salida laboral.

"La primera vez que fui al Borda no llevé la cámara, sino que expliqué la idea del documental. Me propusieron presentar un proyecto detallado que debía ser aprobado mediante votación por la Asamblea, integrada por los pacientes, artistas independientes y coordinadores del Frente de Artistas", relató.

"Lo que me impactó fue que en el marco de esa institución, que les niega a las personas el derecho a la razón, hubiese un grupo con poder de decisión que les restituye ese derecho y que, incluso, está en contra de la política sanitaria del hospital"

Afiches en serigrafía!

Son los afiches realizados en los talleres sobre serigrafía de la revista Hecho en Buenos Aires.

10 años bien hechos

Estuve en la jornada aniversario de la revista Hecho en Buenos Aires, en la sede del CCEBA de San Telmo. Debates, conciertos y acciones artísticas. Les dejo algunas imágenes inspiradoras.

Estamos pensado la locura de hacer esta tercera revista

Nina Hagen. Naturträne (Rockpalast)

">

¿Nina Hagen Maluka?

">

Sujetar la subjetividad de los sujetos 04

">

Sujetar la subjetividad de los sujetos 03

">

Sujetar la subjetividad de los sujetos 02

">

Sujetar la subjetividad de los sujetos

">

Metaproceso de diseño

">

Bruce Mau y sus ideas del proceso creativo

1. Permite que los acontecimientos te cambien. Tienes que estar deseando crecer. El crecimiento no es algo que te ocurre. Tú lo produces. Tú lo vives. Los requisitos del crecimiento son: que estés abierto a experimentar nuevos acontecimientos y dispuesto a ser cambiado por ellos.

2. Olvídate de lo bueno. Lo bueno es una medida conocida; es aquello en lo que todos estamos de acuerdo. Crecer no es algo necesariamente bueno. El crecimiento es una exploración intermitente que no necesariamente nos llevará a lo que estamos buscando. Mientras te apegues a lo bueno, nunca alcanzarás el verdadero crecimiento.

3. El proceso es más importante que el resultado. Cuando el resultado conduce al proceso, sólo llegaremos a donde ya hemos estado. Si el proceso conduce al resultado, quizás no sabremos a dónde vamos, pero sabremos que queremos estar ahí.

4. Ama tus experimentos (como amarías a un hijo feo). La emoción es el motor del crecimiento. Goza la libertad de considerar tu trabajo como maravillosos experimentos, intentos, ensayos y errores. Adopta un enfoque de largo plazo y permítete todos los días la diversión de fracasar.

5. Profundiza. Entre mayor profundidad alcances, más probable será que encuentres algo valioso.

6. Captura los accidentes. La respuesta incorrecta es la respuesta acertada en busca de una pregunta diferente. Acumula respuestas equivocadas como parte del proceso. Plantéate diferentes preguntas.

7. Estudia. Un estudio es un lugar para estudiar. Utiliza la necesidad de producir como una excusa para estudiar. Todos se beneficiarán.

8. Divaga. Permítete divagar sin propósito. Explora lo colindante. Evita los juicios. Deja la crítica para después.

9. Comienza donde sea. John Cage nos dice que el no saber dónde comenzar es una forma común de parálisis. Su consejo: comienza donde sea.

10. Todos somos líderes. El crecimiento ocurre. En el momento en que se dé, déjalo surgir. Aprende a seguir a otros cuando tenga sentido. Permite que cualquiera dirija.

11. Cosecha ideas. Limita las aplicaciones. Las ideas necesitan de una dinámica, de un flujo, de un ambiente generoso para sobrevivir.

12. No dejes de moverte. El mercado y su dinámica tienen la tendencia a reforzar el éxito. Resístelo. Permite que el fracaso y la capacidad de cambio sean parte de tu práctica.

13. Desacelérate. Apártate de la sincronía de los marcos de tiempo establecidos y te sorprenderán las oportunidades que se presentarán.

14. No seas “cool”. “Cool” es el temor conservador vestido de negro. Libérate de los límites de esta naturaleza.

15. Haz preguntas tontas. El crecimiento se alimenta del deseo y de la inocencia. Valora la respuesta, no la pregunta. Imagínate aprendiendo a lo largo de tu vida al ritmo de un niño.

16. Colabora. El ambiente que prevalece entre la gente que trabaja en equipo está lleno de conflictos, fricciones, discordias, gozos y un vasto potencial creativo.

17. _____________. Intencionalmente conservado en blanco. Deja espacio para las ideas que aún no has tenido y para las ideas de otros.

18. Desvélate. Cosas extrañas ocurren cuando has ido muy lejos, cuando llevas mucho tiempo despierto, has trabajado demasiado y estás aislado del resto del mundo.

19. Trabaja la metáfora. Cada objeto tiene la capacidad de representar algo distinto de lo que aparentemente es. Trabaja en lo que representa.

20. Asegúrate de correr riesgos. El tiempo es algo genético. El hoy es hijo del ayer y padre del mañana. El trabajo que haces hoy creará tu futuro.

21. Repítete. Si te gusta, hazlo otra vez. Si no te gusta, hazlo otra vez.

22. Inventa tus propias herramientas. Haz híbridos con tus propias herramientas para construir cosas únicas. Aun las herramientas más sencillas pueden construir avenidas completamente nuevas para la exploración. Recuerda que las herramientas amplifican nuestras capacidades, y que la más pequeña de éstas puede hacer una gran diferencia.

23. Súbete a los hombros de los demás. Puedes viajar más lejos montado en los logros de quienes te han precedido. Y desde ahí, la vista es mucho mejor.

24. Evita el software. El problema con el software es que todo el mundo lo tiene.

25. No limpies tu escritorio. Podrías encontrar por la mañana algo que no pudiste ver esta noche.

26. No participes en concursos en busca de reconocimiento. Simplemente no lo hagas. No es bueno para ti.

27. Sólo lee las páginas del lado izquierdo. Marshall McLuhan lo hacía. Si disminuimos la cantidad de información, dejamos espacio para lo que puede ser nuestra “ronchita”.

28. Crea nuevas palabras. Expande el léxico. Las nuevas condiciones demandan nuevas formas de expresión. La expresión genera nuevas condiciones.

29. Piensa con la mente. Olvida la tecnología. La creatividad no es un objeto-dependiente.

30. Organización = Libertad. La verdadera innovación en diseño, o en cualquier otro ámbito, ocurre en un contexto. Ese contexto es una suerte de empresa manejada como cooperativa. Frank Gehry, por ejemplo, sólo es capaz de crear Bilbao porque su estudio lo tiene contemplado en el presupuesto. El mito de una separación entre los “creativos” y los “de traje” es lo que Leonard Cohen define como un “encantador artefacto del pasado”.

31. No pidas dinero prestado. Nuevamente, es un consejo de Frank Gehry. Al mantener el control financiero, mantenemos el control creativo. Esto no es exactamente ciencia espacial, pero es sorprendente lo difícil que resulta mantener esta disciplina y cuántos han fallado en ello.

32. Escucha con atención. Todo colaborador que entra en nuestra órbita trae consigo un mundo más extraño y complejo de lo que jamás hubiéramos imaginado. Al escuchar el detalle y la sutileza de sus necesidades, deseos o ambiciones, hacemos coincidir su mundo con el nuestro y ninguna de las partes volverá a ser la misma.

33. Haz visitas de campo. La amplitud del mundo es mucho más grande que la de tu televisor o Internet; más profunda, interactiva, rentable y dinámica que cualquier ambiente simulado en computadora en tiempo real.

34. Comete errores más rápido. Esta no es mi idea; la pedí prestada. Creo que pertenece a Andy Grove.

35. Imita. No seas tímido al respecto. Intenta llegar tan cerca como puedas. Nunca recorrerás todo el camino, y la separación puede resultar realmente sorprendente. Sólo necesitamos observar a Richard Hamilton con su versión del gran vaso de Duchamp para ver lo rica, desacreditada y desaprovechada que es la imitación como técnica.

36. Improvisa. Cuando se te olviden las palabras, haz lo que Ella Fitzgerald: inventa algo más … pero no palabras.

37. Rómpelo, estíralo, flexiónalo, estréllalo, quiébralo, dóblalo.

38. Explora la otra orilla. Existe una gran libertad cuando evitamos adoptar el paquete tecnológico. No podemos encontrar la otra orilla porque estamos parados sobre ella. Intenta utilizar equipo con tecnología que se ha tornado obsoleta por un ciclo económico, pero que aún posee un rico potencial.

39. Los descansos para tomar café, los viajes en taxi, son invernaderos. El verdadero crecimiento con frecuencia ocurre fuera de los espacios en los que intentamos que se dé; en espacios poco ortodoxos — lo que el Dr. Seuss llama “el lugar de espera”. Hans Ulrich Obrist una vez organizó una conferencia sobre ciencia y arte con toda la infraestructura de una conferencia — recepción, pláticas, comidas, llegadas al aeropuerto — lo único que no hubo fue conferencia. Aparentemente el experimento fue altamente exitoso y gestó un ambiente de colaboración que aún persiste.

40. Evita marcar áreas. Sáltate las trancas. Las fronteras de la disciplina y los ambientes regulatorios son intentos de controlar la tormentosa vida creativa. Comúnmente son esfuerzos entendibles para ordenar los procesos evolutivos complejos. Nuestro trabajo es saltar trancas y atravesar campos.

41. Ríete. La gente que visita nuestro estudio con frecuencia comenta sobre cuánto nos reímos. Desde que soy consciente de ello, lo utilizo para medir qué tan cómodamente nos estamos expresando.

42. Recuerda. El crecimiento sólo es posible como producto de la historia. Sin memoria, la innovación se convierte en mera novedad. La historia da rumbo al crecimiento. Pero la historia nunca es perfecta. Cada recuerdo es una imagen degradada o recompuesta de un momento o acontecimiento previo. Esto es lo que nos hace conscientes de que se trata del pasado, y no del presente. Ello significa que cada recuerdo es nuevo, que se trata de algo diferente de su fuente y con un gran potencial de crecimiento propio.

43. Dale el poder a la gente. El juego sólo puede ocurrir cuando la gente siente que tiene el control sobre su vida. No podemos ser agentes libres si no somos gente libre.

Tarnation

Tarnation - Depersonalization

Otro poema

Este texto está extraído de "Locura Poética" Textos de mujeres internadas y externadas en hopitales psiquiátricos. Ediciones Trascartón. Estrella Bencid, Elia Dametto, Miriam Haupt, Susana Islas, Miriam Luterotti, Julieta Faisca, Guillermina Ormeño, María Rosa Patiño, Mónica Fernández, Marisa Wagner, Hospital Pereyra (Mendoza).

Poema escrito por Julieta Faisca. Actriz-paciente del grupo El Brote. San Carlos de Bariloche. Río Negro. Argentina. 2005.

everything will be ok [clip] by DON HERTZFELDT

">

EVERYTHING WILL BE OK [clip] by DON HERTZFELDT

">

I AM SO PROUD OF YOU [clip] - by DON HERTZFELDT

">

Algunas ideas

Mauritz Cornelius Escher

http://www.mcescher.com/

Surrealismo/Dadaísmo

Marcel Duchamos, Man Ray.

Objetos imposibles

http://www.cienaniosdeperdon.com.ar/io/index1.htm

Chindogus / Inventos inservibles

http://website.lineone.net/~sobriety/

http://historico.portalmix.com/animaciones/chindogu.php

Posible formato (Diego)

Materiales/Formato/Técnica

- Formato propuesto por diego, con 10 hojas. Tamaño 20 x 20cm. En cartón gris claro, unido por tela con adhesivo.

- Técnica de impresión en serigrafía. Posibles 3 colores por página. Establecer las paletas según su contraste, transparencia y ubicación.

- Los elementos deben ser independientes del campo del cuadro y deben poder sostenerse solos. No se necesita prestar atención al registro entre colores. (Salvo el contraste).

- Idea de sacabocado para los cartones. (formas pregnantes, sin contraformas internas).

Un poema

Este texto está extraído de "Locura Poética" Textos de mujeres internadas y externadas en hopitales psiquiátricos. Ediciones Trascartón. Estrella Bencid, Elia Dametto, Miriam Haupt, Susana Islas, Miriam Luterotti, Julieta Faisca, Guillermina Ormeño, María Rosa Patiño, Mónica Fernández, Marisa Wagner, Hospital Pereyra (Mendoza).

El poema lo seleccionó Cecilia Mariño, es perteneciente a Marisa Wagner.

Trabajos de la reunión en casa de Gimena

Espacio de trabajo

Este espacio está pensado como un canal de intercambio, debate o bitácora de nuestro proceso de búsqueda con respecto al tema que elegimos.

En este caso, CHAPA, CHAPITA, CHAPÓN, nos convoca a pensar sobre temas relacionados a la locura desde varias zonas del saber.

Esto es lo que estuvimos pensando a finales del 2009 y este es uno de los resultados. Es un mapa conceptual, que intenta situar ciertas coordenadas de comprensión y planteo inicial de la temática.

Proyecto La Escofina

Revista Objeto
El grupo que integra el proyecto La Escofina estuvo signado desde el inicio por objetivos que marcaron su gestación como una revista artesanal, con una materialidad experimental y un contenido poético, político y artístico diverso. Se generó entre los integrantes un espacio de intersecciones, de reflexiones en torno a inquietudes plásticas, estéticas, teóricas en el que personas con trayectorias sociales y culturales distintas interactuaron y aprendieron colectivamente uno del otro. La Escofina es el producto de ese encuentro e inquietudes.

El grupo que componemos La Escofina conforma un espacio de intercambio multidisciplinario: fotógrafos, estudiantes de bellas artes, actrices, sociólogos, diseñadores gráficos, artistas, curiosos, motivados, historiadores, etc. No buscamos establecer verdades, simplemente expresar la complejidad, el interés y esta curiosidad de manera bella, artística, cambiante y colectiva.

Una característica central de la publicación es su particular dinámica: el grupo de personas que la realiza se amplía y se renueva, la materialidad elegida para el tema se modifica, la construcción gráfica del debate se altera, las propuestas individuales y colectivas varían. En determinado momento confluyen coincidencias y se produce y edita para materializarse en el producto que vemos.

Resulta complejo enmarcar a esta publicación en alguna categoría estándar. Es una revista, pero también es un producto artesanal seriado, es un objeto artístico y único, es una confluencia de expresiones estéticas.